<div><figure><img src="https://www.inthenews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506573298206_d837b5.jpg" /></figure>인더뉴스 김홍식 기자ㅣ신세계백화점은 강남점 3층 아트스페이스에서 오는 8월 27일까지 일본 현대미술가 LY의 개인전 ‘Singing Birds’를 열고 도시를 벗어난 상상 속 풍경을 제공한다고 23일 밝혔다.부드럽고 따뜻한 색감 속 조용히 앉아 있는 검은 실루엣은 LY 작가를 상징하는 캐릭터로 특별한 특징이 없어 많은 것을 상상하게 만든다. 유년기의 기억, 도시와 자연의 경계를 주제로 한 작품들이다. 사진｜신세계백화점<figure><img src="https://www.inthenews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506573011122_741f8f.jpg" /></figure></div>

<div><figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/bbd9c778-2cb4-4de0-b9e3-28a05d4775db.jpg" /></figure>서경대학교(총장 김범준) 공연예술학부 무대패션전공(주임교수 박은정)은 통합형 공연예술 창의융합 인재양성 프로그램인 HUB19 ‘IL NODO’를 2025년 6월 20일(금) 오후 2시 무대패션전공 유튜브 채널을 통해 최초 공개했다.‘IL NODO’는 이탈리아어로 ‘매듭’을 뜻하며 서로 다른 주제들이 유기적으로 얽히고 연결되는 과정을 상징한다. 마치 여러 갈래의 실이 한 점에 모여 단단한 매듭을 이루듯, 각기 다른 개성과 아이디어가 표현된 의상들이 모여 하나의 흐름으로 조화를 이루는 과정을 보여준다.무대는 ‘파멸경’(디자이너 김민영, 박지원, 임효진. 사람의 발자취가 사라진 멸망한 도시에서 피어나는 생명력을 표현), ‘Obliviate’(디자이너 강지우, 이신영. 시간이 흐르며 망가져 주인에게서 잊혀진 인형을 표현), ‘유영’(디자이너 구세임, 변지현. 현실과 꿈 사이를 유영하며 가능성을 향해 나아가는 나비를 표현), ‘ATA’(디자이너 문가빈, 김민서, 균형과 불균형, 진정한 균형은 변화 속에서 찾아가는 과정임을 표현), ‘LoreGear’(디자이너 이수현, 최예빈, 그리스의 신화(Lore)와 아웃도어(Gear)를 결합하여 표현), ‘Psyche:The Myth’(디자이너 박소희, 양다인, 진선교, 프시케, 진정한 사랑의 힘으로 불행을 극복하고 신으로 거듭난 진취적이고 강한 여성을 아이돌 무대의상으로 표현), ‘빛과 그림자:대조 속의 조화’(디자이너 김하윤, 최정연, 빛과 그림자의 대비 속에서 균형과 조화를 찾는 디자인), ‘HEAVEN’(디자이너 박소영, 안지원, 우주에 존재하는 기묘하고도 불편한 이미지의 외계 생물들의 불협화음 속 공생관계를 표현), ‘DEEP DREAM’(디자이너 윤은서, 최정윤, 이상과 현실의 괴리를 심해의 아름다운 생물이 지상에 닿는 순간 변이되는 모습으로 해석하여 표현), ‘CORTYN’(디자이너 김지윤, 이하늘, 인체의 중추인 CORTEX에서 영감을 받아 열화상 카메라로 드러나는 에너지와 움직임을 시각적으로 표현) 등 모두 10개의 스테이지로 구성돼 환상적인 이미지를 구현해 냈다.이번 HUB19는 ‘제10회 무대패션전공 졸업작품전’의 일환으로, 4학년 재학생 22명(졸업준비위원장 김지윤)이 참여해 총 10개의 개성 넘치는 스테이지를 선보였다. 각 스테이지는 패션뿐 아니라 퍼포먼스와 영상미를 결합한 창의적인 콘텐츠로 구성되어, 새로운 감각과 예술적 깊이를 동시에 전달할 것으로 기대를 모았다.‘HUB’는 융합예술 특성화 프로그램으로, 무대패션전공 학생들이 직접 기획하고 제작한 의상을 중심으로 다양한 전공의 학생들과 외부 문화예술인들이 협업해 융복합 창작 콘텐츠를 선보이는 학습자 주도적 프로젝트다. 단순한 협력을 넘어, 예술 전반에 걸친 실험적 시도와 실무 중심의 교육을 통해 실질적인 창작 역량을 키우는 데 중점을 두고 있으며, 7년 연속 대학혁신지원사업에 선정될 만큼 그 우수성을 인정받고 있다무대패션전공 박은정 주임교수는 “IL NODO는 단순한 연결을 넘어, 창조적 긴장과 교차가 만들어내는 또 하나의 가능성이며 매듭은 무언가를 끝맺는 동시에, 다시 시작하는 지점이기도 하다.”며 “학생들의 작품이 한데 모여 만들어내는 이 매듭이 공동의 에너지로 작용해, 그들의 미래로 나아가는 출발점이 되기를 바란다.”고 밝혔다.이번 HUB19에 참여한 의상들은 e-book 형식의 룩북으로도 제작되어 유튜브 영상과 함께 공개될 예정이며, 서경대학교 무대패션전공 공식 홈페이지 K-HUB에서도 감상할 수 있다.</div>

서경대학교(총장 김범준) 공연예술학부 무대패션전공(주임교수 박은정)은 통합형 공연예술 창의융합 인재양성 프로그램인 HUB19 ‘IL NODO’를 2025년 6월 20일(금) 오후 2시 무대패션전공 유튜브 채널을 통해 최초 공개했다.

서경대학교 공연예술학부 무대패션전공 2025 HUB19 ‘IL NODO’ 제10회 졸업작품전, 6월 20일 유튜브 최초 공개

<div><figure><img src="https://image-cdn.hypb.st/https%3A%2F%2Fkr.hypebeast.com%2Ffiles%2F2025%2F06%2F23%2Fhttps___hypebeast.com_image_2025_06_18_death-note-graniph-collaboration-collection-release-info-001.jpg?q=90&amp;w=1400&amp;cbr=1&amp;fit=max" /></figure>일본 스트리트웨어 브랜드 그래니프가 <데스노트>와 손잡고 새로운 협업 컬렉션을 공개했다. 이번 컬렉션은 오바 츠구미의 대표작 <데스노트>를 기념하기 위해 전개됐으며, 원작의 팬들은 물론 굿즈를 기다려왔던 컬렉터들에게 큰 호응을 얻었다.먼저 티셔츠와 롱슬리브에는 야가미 라이토, 엘, 미사, 그리고 사신 류크의 그래픽이 전면에 프린팅됐으며, 하와이안 셔츠에는 기존 만화의 컷들이 패치워크 형태로 배치돼 개성있는 실루엣으로 완성됐다. 이외에도 컬렉션에는 팬츠, 버킷햇, 투웨이 토트백, 양말 등 데스노트의 모티브가 더해진 다양한 아이템들이 함께 포함돼 컬렉터들의 소장욕구를 높였다. <데스노트> x 그래니프 컬렉션은 현재 그래니프 공식 웹사이트에서 선주문 가능하며, 7월 1일부터 순차적으로 출고될 예정이다. </div>

일본 스트리트웨어 브랜드 그래니프가 <데스노트>와 손잡고 새로운 협업 컬렉션을 공개했다. 이번 컬렉션은 오바 츠구미의 대표작 <데스노트>를 기념하기 위해 전개됐으며, 원작의 팬들은 물론 굿즈를 기다려왔던 컬렉터들에게 큰 호응을 얻었다.

‘데스노트’ x 그래니프 컬렉션 공개

<div>약 400년이라는 시간 동안 미술이 어떻게 다채롭게 변화되어 갔는가를 원화 작품으로 만나볼 수 있는 전시가 있어 화제입니다. 클로드 모네, 빈센트 반 고흐, 파블로 피카소, 앤디 워홀 등 89명 거장의 작품을 시대순으로 만날 수 있어 미술을 좋아했던 사람들이라면 서양미술사의 흐름을 한 호흡에 이해할 수 있고 미술이 조금 낯설게 느껴지는 사람이라면 내가 가장 좋아하는 장르가 뭔지 취향을 확인할 수 있는 시간이 될 거예요.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/faa0bac6-8ba0-437e-86d7-28d78915f54c.jpg" /></figure>경주·부산·제주를 거치며 20만 명 이상의 관람객을 기록하고 서울에서 그 마지막을 선보이는 ‘모네에서 앤디 워홀까지: 요하네스버그 아트 갤러리 소장품 특별전’. 남아프리카공화국 요하네스버그 아트 갤러리(Johannesburg Art Gallery·JAG)의 소장품 143점을 통해 17세기 네덜란드 황금기부터 20세기 현대미술까지 400년에 걸친 미술사의 주요 흐름을 9개 섹션에 시대별로 구성한 대규모 기획전입니다. 또한, 남아프리카공화국의 예술적 정체성과 유럽 미술의 교차점을 보여주는 작품들도 만나볼 수 있어요.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/f14c8369-a3b9-4cf5-8a7a-2cb8b692e484.jpg" /></figure>요하네스버그 아트 갤러리는 남아프리카공화국의 국립미술관으로, 17세기 네덜란드 황금기는 물론 18~19세기 영국과 유럽의 거장을 비롯해 현대에 이르기까지 3만 점이 넘는 작품을 보유하고 있습니다. ‘아프리카의 빅토리아 앨버트 미술관’을 꿈꾸던 레이디 플로렌스 필립스의 노력으로 설립됐죠. 20세기 초반, 요하네스버그를 문화와 예술의 중심지로 만들고자 했던 노력의 결실, 선구적인 미술 컬렉션이 이번에 공개됩니다.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/a8c74d51-eb4c-4977-807b-ae194a981fc1.jpg" /></figure>먼저 네덜란드 회화의 황금기 섹션이 눈에 띄는데요. 17세기 초, 네덜란드는 유럽에서 가장 부유한 나라로 떠올랐죠. 댐과 간척 시스템 덕분에 해마다 바다로부터 새로운 토지를 확보할 수 있었고, 이러한 유리한 조건 아래 네덜란드는 경제와 문화의 ‘황금기’로 알려진 17세기에 유럽에서 1인당 가장 많은 예술 작품을 제작하고 구매한 국가로 자리매김했죠. 사람들이 부유해지면서 시장이 빠르게 커졌고, 이에 적응한 화가들은 작은 부르주아 주택을 꾸미는 것을 목표로 삼았어요. 네덜란드의 화가들은 풍경·초상화·정물·동물이 있는 그림·일상생활의 에피소드를 대중적인 눈높이에 맞춰 그렸죠.김기완 도슨트가 “이 시기부터 미술은 점차 세분화되기 시작하고 화가들이 전문화되기 시작합니다. 그림을 구매하고 싶은데 누구는 꽃 그림 원하고, 누구는 가족 그림을 원하고 다 다르잖아요. 그럴 때 꽃은 어떤 화가가 잘 그리고, 인물은 누가 잘 그리고 하니까 그 사람한테 가서 원하는 그림을 부탁하는 거죠. 그중 특히 초상화를 잘 그렸던 사람이 바로 그 유명한 렘브란트였습니다”라고 설명했죠.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/9e0a4b56-ef8e-4ba4-9e26-7bdddb5a8d46.jpg" /></figure>19세기 영국 미술을 소개하는 섹션에서는 당시 시대를 반영하고 비판했던 ‘라파엘 전파’ 사조를 만나볼 수 있습니다. 라파엘로·미켈란젤로 이전의 자연 관찰과 세부 묘사에 충실했던 중세 고딕 및 초기 르네상스로 돌아가려는 미술운동을 일컫죠. 이들은 빅토리아 시대 회화의 침체기에 아카데미 미술의 엄격함과 제도권 회화의 신파적 감상을 비판했어요. 라파엘 전파의 창립자인 단테 가브리엘 로세티와 에버렛 밀레이, 윌리엄 홀먼 헌트와 함께 후기 라파엘 전파를 이끈 존 브렛의 작품을 선보입니다.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/e9c0b47b-c8d9-44b3-ad70-482482823db0.jpg" /></figure>영국 근대 화가의 아버지로 불리는 조지프 말러드 윌리엄 터너 작품도 눈에 띄죠. “그는 속도에 집중했어요. 산업혁명으로 증기기관차라는 이동 수단이 등장했고 그 속도감을 그려내고 싶었던 그는 직접 기차에 타고, 창문을 연 다음 머리를 내밉니다. 그래서 온몸으로 속도를 느낀 다음 그걸 그림으로 옮긴 거죠. 이렇게 바깥에 나가서 그림을 그리는 것이 인상주의에 영향을 미쳤다고 해요.”<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/decaf2ab-d271-40e7-a0c9-e16236502d80.jpg" /></figure>이제 인상주의를 직접 만나러 가봅니다. 전시장에서는 인상주의의 탄생부터 후기 인상주의로 이어지는 과정을 살펴볼 수 있죠. 인상주의의 창시자로 추앙받는 외젠 부댕의 작품은 오귀스트 르누아르는 물론, 부댕을 스승이자 근본적인 멘토로 여겼던 클로드 모네와 같은 예술가들에게 중요한 본보기가 되었어요. 1870년대 초 프랑스에서는 카미유 피사로, 클로드 모네, 오귀스트 르누아르처럼 아틀리에에서 벗어나 야외에서 그림을 그리며 시시각각 바뀌는 빚에 따라 바뀌는 세계를 자신의 작품에 담아내려 한 화가들이 대거 출연합니다. 인상주의자들은 짧은 순간에 화가가 처음으로 지각한 사물을 캔버스 안에 붙잡아 넣으려 했고, 영원불변하는 대상이 아닌 빛과 날씨에 따라 시시각각 바뀌고 변화하는 흔적을 그리고자 했죠. 클로드 모네의 ‘봄’ 앞에 많은 관람객들이 멈춰 있습니다. 인상주의 운동의 시작을 알린 이 작품은 클로드 모네가 스승 외젠 부댕으로부터 배운 자유로운 붓 터치가 특징이죠.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/2baf21ed-8444-4965-9c13-381e456261ad.jpg" /></figure>에드가 드가는 인상파이면서도 야외 풍경보다는 실내 장면을 더 자주 화폭에 담았어요. 동료들이 빠르고 순간적인 터치로 그린 그림과 거리를 두기 위해 ‘선으로 그린 인상파’로 자신을 정의했죠. 그의 작품 ‘두 명의 무희들’도 놓칠 수 없는데요. 발레리나는 드가가 가장 선호하는 주제 중 하나였습니다. 발레리나 몸의 움직임과 왜곡을 관찰하고 해부학적 구조를 묘사하는 것을 좋아했죠. “이번 전시는 서양 미술사 400년을 다루고 있다 보니 내딛는 한 걸음 한 걸음이 약 10년 정도 된다고 보면 좋을 것 같습니다. 다음엔 후기 인상주의를 다루고 있어요.”<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/fa8bf659-493f-4c73-ac77-8fc1925eb06d.jpg" /></figure>인상주의라는 미술의 대변혁과 전환에 이어 이에 영향을 받은 다양한 실험과 시도들이 19세기 후반까지 미술계에 지속적으로 나타납니다. 1986년 인상파의 마지막 공식 전시회를 계기로 새로운 양식이 등장했죠. 팔레트에서 색을 혼합하지 않고, 광학 이론과 시각 인식에 관한 과학적 원리에 따라 순수한 색의 점들을 배열하는 방식. 바로 점묘법의 탄생입니다. “조르주 쇠라가 창시한 점묘법으로 만든 작품들은 가까이서 볼 때와 멀리서 볼 때 전혀 느낌이 달라지죠. 여러 점들의 색이 가까운 거리에서는 구분이 되지만 거리가 멀어지면 멀어질수록 우리의 두 눈은 그 두 가지의 색이 혼합된 것으로 인지한다는 것을 실험한 작품을 통해 이를 직접 경험해 보세요.”<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/187d1d84-ef85-457a-9164-0ea4cccffb91.jpg" /></figure>후기 인상주의의 대표 작가로는 폴 세잔, 반 고흐, 폴 고갱을 들 수 있어요. 이들은 눈에 보이는 현실을 넘어, 보이지 않는 구조와 내면의 표현을 중시하는 새로운 회화 세계를 추구해 나갔죠. 색채를 단지 형태를 돋보이게 하는 보조 수단이 아닌 형태와 동일한 힘을 지닌 조형의 요소로 파악했습니다. 유화나 아름다운 색채를 표현한 그림으로 유명한 반 고흐가 목탄으로 그린 흑백 드로잉도 만나볼 수 있죠. 후기 인상주의 미술은 20세기 초 현대미술의 문을 여는 출발점입니다. 제1차 세계대전을 겪으며 서구 사회에서는 철학과 가치관에서 철저히 새로움과 혁신을 추구하는 아방가르드(전위예술) 운동이 일어나고, 다다이즘·야수파·입체주의·독일 표현주의·미래주의·초현실주의·추상미술에 이르기까지 19세기까지의 미술 개념과 그 체계를 근본부터 뒤흔드는 시도들이 잇따랐죠.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/d6da930e-31f2-4709-9a2e-055a2257dfe4.jpg" /></figure>“입체파는 쉽게 말해서 우리가 보통 주사위를 그린다고 하면 정육면체를 그린 다음 입체감을 넣기 위해서 그림자를 계속 그릴 겁니다. 하지만 입체파의 거장 파블로 피카소는 3개의 면밖에 보이지 않는 저 모습에서 우리는 과연 주사위 본질의 아름다움을 그릴 수 있을까 고민을 했고, 전개도처럼 모든 면을 펼쳐 나열해야만 가장 아름답지 않을까라는 생각으로 그림을 그렸다 보니 좀 이상하지만 측면의 얼굴에 눈이 두 개 달려 있고 귀가 두 개 모여 있고 이런 식으로 나타난 거죠. 어떤 본질의 아름다움에 가까워지고자 했던 거라고 생각해 주시면 좋을 것 같아요.” 전시에서 볼 수 있는 피카소의 작품 중에선 그가 사망 직전에 그린 ‘어릿광대의 두상 Ⅱ’이 대표적입니다. 동심의 세계로 돌아가고 싶은 마음을 보여주는 작품이죠.<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/acfa06c4-6af0-4be4-8c63-ea273775a390.jpg" /></figure>20세기 컨템포러리 아트 섹션에서는 팝아트도 만나볼 수 있습니다. 1950년 중후반부터는 추상 표현주의의 주관적이고 엄숙한 태도에 반발하며, 매스미디어와 광고 등 대중문화의 시각 이미지를 미술 속에 적극적으로 수용하고자 한 ‘팝아트’가 영국에서 등장하죠. 1954~1955년 겨울, 영국의 젊은 작가들의 공동 작업과 토론을 통해 ‘팝아트’라는 용어가 사용되기 시작했으며, 1956년 전시 ‘이것이 내일이다(This is Tomorrow)’에서 리처드 해밀턴은 ‘오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?’를 출품하며 영국 팝아트의 출발점을 열었어요. 이후 데이비드 호크니, 피터 블레이크 등이 팝아트의 주역으로 활약했죠. 1960년대 미국에서도 로버트 라우센버그, 재스퍼 존스 등이 등장하며 팝아트의 서막을 열었고, 이어 로이 리히텐슈타인과 앤디 워홀이 1960년대 대중문화를 차용한 작품을 선보이며 미국 팝아트의 전성기가 활짝 열리죠. “팝아트의 대가 앤디 워홀은 동일한 이미지를 색감만 조금씩 바꿔 만들거나, 실크 스크린으로 여러 작품을 찍어낼 수 있는 대량 생산 키워드를 만들었죠.”<figure><img src="https://pds.joongang.co.kr/news/component/htmlphoto_mmdata/202506/23/2d61169c-1593-4b27-935f-c80ff2c2b2bd.jpg" /></figure>마지막 공간은 20세기부터 오늘날까지 남아프리카공화국 예술을 보여주고 있어요. 아프리카 대륙에 서양 예술의 씨앗을 심고자 했던 플로렌스 필립스의 노력의 결과물이라고 봐도 좋은데요. “여기 있는 화가들은 필립스가 컬렉팅했던 앞서 보셨던 작품들을 보며 자라오고 그 작품들을 모티프로 자신들만의 남아공의 문화를 녹여냈다는 걸 확인할 수 있을 겁니다.” 전시를 관람하며 자신의 취향을 발견하는 과정 그 자체가 플로렌스 필립스처럼 예술가들을 발굴하고 컬렉팅했던 것과 같은 맥락이라고 할 수 있죠. 여러분도 자신만의 작품을 컬렉팅해 보세요.‘모네에서 앤디 워홀까지: 요하네스버그 아트 갤러리 소장품 특별전’기간 8월 31일(일)까지장소 서울 종로구 세종대로 175 세종문화회관 미술관관람 시간 오전 10시~오후 7시(입장 마감 오후 6시, 전시 기간 중 무휴)관람료 성인 2만원, 청소년 1만6000원, 유아동 1만2000원글=한은정 기자 han.eunjeong@joongang.co.kr, 사진=가우디움어소시에이츠</div>

약 400년이라는 시간 동안 미술이 어떻게 다채롭게 변화되어 갔는가를 원화 작품으로 만나볼 수 있는 전시가 있어 화제입니다. 클로드 모네, 빈센트 반 고흐, 파블로 피카소, 앤디 워홀 등 89명 거장의 작품을 시대순으로 만날 수 있어 미술을 좋아했던 사람들이라면 서양미술사의 흐름을 한 호흡에 이해할 수 있고 미술이 조금 낯설게 느껴지는 사람이라면 내가 가장 좋아하는 장르가 뭔지 취향을 확인할 수 있는 시간이 될 거예요.

[소년중앙] 17세기 네덜란드서 20세기 미국까지…400년 미술사 한눈에

<div>[서울=뉴스핌] 이지은 기자 = 국가유산청 국립고궁박물관은 우리 기술로 보존처리를 마친 미국 포틀랜드미술관 소장 '구운몽도 병풍'과 미국 덴버미술관 소장 '백동자도 병풍'을 국내 처음으로 선보이는 국외소재문화유산 특별 공개 전시 '다시 살려낸 그림 속 희망'을 개최한다고 23일 밝혔다.이번에 전시되는 두 점의 병풍은 국가유산청 산하 국외소재문화유산재단이 '국외문화유산 보존·복원 및 활용 지원 사업'의 일환으로 2023년 10월 국내로 들여와 1년여 기간 동안 보존처리를 진행해 이번에 공개하게 됐다.<figure><img src="https://img.newspim.com/news/2025/06/23/2506230910552370.jpg" /></figure>오랜 세월 여러 소장자를 거쳐 전해진 두 병풍은 군데군데 오염과 훼손이 많고, 과거 보수 과정에서 제작 당시(19세기~20세기)와 다르게 변형되기도 했다.문화유산에 새로운 숨결을 불어 넣는 보존처리 작업을 통하여 원래의 모습과 최대한 가깝게 복원되었으며, 특별 공개 전시 후 미국으로 돌아갈 예정이다.미국 포틀랜드미술관 소장 '구운몽도 병풍'은 김만중이 지은 소설 '구운몽'의 주요 장면을 10폭에 나눠 묘사한 그림이다.'구운몽'은 17세기 말에 지어져 왕실에서부터 민간에 이르기까지 큰 사랑을 받았으며, 그 이야기를 병풍에 그려 애호하는 풍조 또한 20세기까지 지속되었다.'구운몽도 병풍'에는 육관대사의 제자인 성진이 팔선녀를 만나는 장면을 시작으로, 인간 세상에 양소유라는 인물로 환생하여 여덟 여인과 인연을 맺고 부귀영화를 누리는 내용이 순서대로 담겨있다.꿈에서 깨어난 성진이 세속적인 성공과 욕망이 모두 꿈과 같음을 깨닫고 수도자로서의 본분으로 돌아가 불도에 정진한다는 소설의 교훈과 더불어, 이상적인 관료의 삶을 누리는 양소유의 모습처럼 부귀와 복락을 기원하는 길상적인 의미를 강조한 것으로 보인다.<figure><img src="https://img.newspim.com/news/2025/06/23/2506230912315010.jpg" /></figure>이 병풍은 1910년경 이화학당 선교사였던 마리 엘리자베스 처치가 한국에서 학생의 부모로부터 선물 받아 귀국길에 가져간 것으로 전해지며, 이후 친구에게 선물한 병풍을 그 딸인 재클린 보이드가 현재의 소장처에 기증했다.이번 '구운몽도 병풍'의 보존처리 과정에서는 그동안 보수되고 변형된 흔적들을 확인했다. 미국으로 반출되기 전 병풍의 보수를 위해 배접지로 사용한 것으로 보이는 1913년 종묘와 관련된 문서를 비롯해 용 그림 초본, 1933년 발간 신문(조선일보, 중앙일보 등)이 발견됐다.또한 소설의 내용과 달리 그림의 배치가 바뀌어 있었고, 장황 직물도 서양에서 수입된 직물로 교체된 상태였다. 이에 이번 보존처리를 통해 그림의 배치를 바로잡았고, 일부 남아 있던 원래의 직물을 참고하여 병풍 제작 당시의 모습과 최대한 유사하게 복원했다.이와 함께 직물의 교체 과정에서 그동안 가려져 있던 일부 그림이 드러날 수 있게 병풍의 각 폭도 2.5cm가량 늘렸다.미국 덴버미술관 소장 '백동자도 병풍'은 여러 명의 아이들이 여러 가지 놀이를 하며 평화롭게 노니는 장면을 그린 것이다. '백'은 '풍족하고 많다'는 의미로, 그림 속 아이들은 자손번성을 기원하는 길상적 의미를 지닌다.화려한 전각을 배경으로 장군놀이, 닭싸움, 관리행차, 원숭이놀이, 매화 따기 등을 하는 천진무구한 아이들의 모습에는 자손번성에 대한 소망과 관직 등용, 풍요와 번영을 바라는 어른들의 마음이 담겨 있다.백동자도는 조선 후기 대표적인 길상화로 왕실의 혼례와 궁중 연향에 두루 사용되었고, 민간에도 전해져 생활공간을 아름답게 장식하기도 했다.<figure><img src="https://img.newspim.com/news/2025/06/23/2506230914254380.jpg" /></figure>이 병풍은 1970년 미국 뉴욕에 위치한 아시아 고미술 갤러리를 통해 덴버미술관에 입수되었는데, 어떤 경위로 우리나라에서 미국까지 가게 되었는지는 알려져 있지 않다.이번 보존처리를 위해 병풍을 해체하는 과정에서 병풍 속 틀에 바른 종이로 일본에서 발행된 1960년 매일신문이 발견된 것으로 볼 때, 19~20세기에 처음 제작되고 1960년 이후 수리하여 미국으로 반출되었을 것으로 추정된다.보존처리 전 '백동자도 병풍'은 여러 군데 오염과 결손이 확인되었고, 그림을 덧칠하여 보수한 흔적도 눈에 띄게 남아 있었다.손상은 주로 녹색 부분에 집중되어 있었는데, 본래 칠했던 천연안료가 아닌 인공안료로 덧칠해진 상태였다. 이번 보존처리 과정에서 인공안료 덧칠은 최대한 제거하고 새로운 직물로 메웠으며, 19세기 후반 병풍의 색상과 형태를 참고하여 새롭게 장황하여 조선시대 백동자도의 병풍으로 재현했다.오는 25일부터 7월 20일까지 진행되는 이번 전시는 국내 보존처리 전문가의 손길을 거쳐 새롭게 단장한 '구운몽도 병풍'과 '백동자도 병풍'이 미국으로 돌아가기에 앞서 국내에 처음으로 공개되는 자리라는 점에서 의미가 있다.국가유산청 국립고궁박물관과 국외소재문화유산재단은 "앞으로도 상호 협력을 바탕으로 국외에 소재한 한국 문화유산의 보존·복원 사업을 지속적으로 추진하는 한편, 우리 국민이 세계 각지에 흩어져 있는 소중한 문화유산을 가까이에서 접하고 향유할 수 있도록 다양한 전시와 문화 교류의 기회를 마련해 나갈 계획"이라고 전했다.alice09@newspim.com</div>

[서울=뉴스핌] 이지은 기자 = 국가유산청 국립고궁박물관은 우리 기술로 보존처리를 마친 미국 포틀랜드미술관 소장 '구운몽도 병풍'과 미국 덴버미술관 소장 '백동자도 병풍'을 국내 처음으로 선보이는 국외소재문화유산 특별 공개 전시 '다시 살려낸 그림 속 희망'을 개최한다고 23일 밝혔다.

美 미술관 소장 '구운몽도'-'백동자도' 병풍, 국내 첫 전시

<div><figure><img src="https://www.domin.co.kr/news/photo/202506/1519414_709310_158.jpg" /></figure>　故 소훈(1957-2023) 화백의 유지에 따라 김제시 금산면에 세워진 훈아트뮤지엄이 유작전을 끝으로 장기휴관에 들어간다. 유족들은 재개관을 희망하고 있지만 현재로선 마땅한 대안이 없다보니 사실상 폐관에 가깝다는 말이 나온다. 경영상의 어려움을 극복하지 못하고 개관 1년 4개월여 만에 문을 닫는다는 소식에 미술인들 역시 크게 안타까워하고 있다.　훈아트뮤지엄(관장 김민수)은 고인의 2021년 개인전 이후 아직 한 차례도 공개된 적 없는 2022~2023년 신작들을 중심으로 29일까지 유작전을 진행한다고 밝혔다. 고인은 생전에 전주, 서울, 러시아 등에서 총 18회의 개인전을 열었고, 500여회 이상의 단체전에 참여하는 등 활발한 작품활동을 펼쳤다. 이번 유작전에 미공개 신작이 다수 포함됐다는 점에서 19회 개인전으로 봐도 무방하다는 말도 나온다.　고인의 그림은 간결하지만 깊이가 있으며, 단순해 보이지만 세심한 감성과 여운이 깃들어 있다는 평가를 받는다. 화려한 기교나 장식 대신, 본질에 다가서는 담백한 표현은 보는 이에게 시처럼 다가와 조용한 감동을 선사한다. 미술관은 유작전이 마무리되면 곧바로 임대업자에게 넘겨지고, 리모델링 후 레스토랑으로 활용될 예정이다.　고인은 미술관 개관을 1~2달 앞둔 2023년 8월 급성백혈병으로 세상을 떠났고, 유족은 혼란한 시기임에도 고인의 유지를 이어받아 지난해 3월초 ‘소훈 사제전’을 시작으로 훈아트뮤지엄으로 개관하고 꾸준히 전시를 이어왔다.<figure><img src="https://www.domin.co.kr/news/photo/202506/1519414_709313_158.jpg" /></figure>　그간 관장인 어머니와 함께 미술관 운영을 맡아왔던 아들 소재윤씨는 “제가 어렸을 때 아버지는 쓸쓸하고 어둡고 공허한 느낌의 그림을 그렸지만, 2016년부터는 그림이 많이 밝아졌다”며 “동일한 배경으로 겨울 풍경을 그려도 색이나 톤에서 이전과는 차이가 나서 좋았다”고 회고했다. 그는 “특히 이곳에 터를 잡은 이후에는 주변 풍경을 많이 그렸고, 이곳의 하늘풍경을 너무 좋아해 이전보다 더 많은 하늘을 그리셨다”면서 “평생의 꿈이었던 미술관을 갖게 된다는 것이 아버지에는 큰 기쁨이었던 것 같은데, 개관도 못보고 가셔서 마음이 너무 아프다”고 말했다. 또한 “당시 아버지는 미술관을 짓기 시작하자 평생교육원에서 하던 수업 외에는 거의 모든 시간을 이곳에 머무르며 애정을 쏟았다”면서 “지금 살아계셨더라면 이전처럼 더 밝은 모습의 자화상을 많이 그리지 않으셨을까 하는 생각이 든다”며 아쉬움을 토로했다.　이어 “미술관 휴관이 6월초 급하게 결정되다보니 유작전 준비도 체계적으로 할 수 없어 지인과 유족들이 급히 선별해 내놓게 돼 아쉬움이 있다”면서도 “혹여 재개관을 하게 되면 인물이나 계절, 시기별, 혹은 수채화나 유화 등 다양하게 작품을 분류해 제대로 된 유작전을 열어보고 싶다”는 희망을 내비쳤다.김상기 기자저작권자 © 전북도민일보 무단전재 및 수집, 재배포 금지</div>

　故 소훈(1957-2023) 화백의 유지에 따라 김제시 금산면에 세워진 훈아트뮤지엄이 유작전을 끝으로 장기휴관에 들어간다. 유족들은 재개관을 희망하고 있지만 현재로선 마땅한 대안이 없다보니 사실상 폐관에 가깝다는 말이 나온다. 경영상의 어려움을 극복하지 못하고 개관 1년 4개월여 만에 문을 닫는다는 소식에 미술인들 역시 크게 안타까워하고 있다.

훈아트뮤지엄, 개관 1년 4개월 만에 문 닫는다

<div><figure><img src="https://img.khan.co.kr/news/r/700xX/2025/06/23/news-p.v1.20250620.4f48c3baf0944314937a7bacd3dd92ce_P1.webp" /></figure>“우리의 몸은 우주만큼이나 알려지지 않은, 미지의 자율적 존재입니다. 우리는 몸을 통해 자신을 알게 될 뿐 아니라, 우리가 속한 우주를 알게 될 수 있습니다.”인간의 내면과 우주, 두 미지의 영역을 연결하고 탐구하려는 시도는 오래전부터 있었다. 영국 출신 조각 거장 안토니 곰리(75)는 조각으로 그런 시도를 해 왔다. 강원 원주시 뮤지엄산에서 지난 20일부터 열린 곰리의 국내 최대 규모 개인전 ‘DRAWING ON SPACE’와, 곰리와 일본 출신 건축가 안도 다다오(84)가 협업해 설계하고 개인전과 함께 문을 연 공간 ‘GROUND’에서 그 진면목을 볼 수 있다. 안도는 2013년 문을 연 뮤지엄산의 공간을 설계했다.<figure><img src="https://img.khan.co.kr/news/r/700xX/2025/06/23/news-p.v1.20250620.26ffe871d2cd41c8845a13a17cff172e_P1.webp" /></figure>뮤지엄산 본관 청조갤러리에서 오는 11월30일까지 열리는 개인전에서는 철선으로 된 둥근 고리들이 눈에 띈다. 갤러리 1관에서는 2015~2017년 제작된 ‘Liminal Field’ 연작 7점이 곧게 선 사람의 형태로 보는 이들을 기다린다. 둥근 고리들은 땅에서부터 서로 붙어 다리와 몸통, 머리를 이룬다. 전시장의 흰 벽을 배경으로 두고 서 있는 조각은 가만히 보면 공기 방울의 집합체 같다. 고리의 두께는 얇아 바람이 불면 흔들릴 수도 있을 법한 정도다. 각 조각의 높이는 1m84~2m로, 키가 큰 성인과 비슷하다.갤러리 3관은 Liminal Field의 크기를 대폭 확장해 놓은 듯한 ‘Orbit Field Ⅱ’(2024)가 가득 메우고 있다. 어렸을 때 가지고 놀던 용수철 장난감을 한껏 늘려놓은 것 같다. 굵기가 23㎜인 대형 철제 원형구조물은 총 37개는 크기가 제각각이지만 성인이 들락날락할 수 있을 만큼 커서 전시장 천장에 닿을 정도다. 관객은 전시장 안에서 작품을 보기 위해서는 철제 원을 넘나들어야 한다.<figure><img src="https://img.khan.co.kr/news/r/700xX/2025/06/23/news-p.v1.20250620.dc662216a7e94d0b9c4d9ede56c9505a_P1.webp" /></figure>인간은 모두 신체를 갖고 있지만 그 안의 모습을 보지는 못한다. 인간은 우주에 속해있지만 낮과 밤, 계절의 변화 정도를 빼고는 우주의 움직임을 알지 못한다. 관객은 곰리가 철제 고리로 만들어 놓은 조각을 보면서 신체와 우주의 움직임을 상상하게 된다. 일상적으로 볼 수 있는 전시장의 흰 벽과 조명은 조각의 존재감을 줄이고, 보는 이가 상상력을 발휘해 남은 공간을 채우게 한다.상설 전시 공간인 GROUND에서도 화두는 공간과 인체다. 하부 지름이 25m, 높이가 8m인 반구 형태의 공간의 맨 꼭대기에 지름 2.4m 둥근 구멍이 뚫려 있다. 구멍으로 들어오는 빛은 시간에 따라 바닥을 비추는데, 로마제국의 신전이자 성당인 판테온과 그 형태가 같다. 돔 형태의 구조 때문에 보는 이들이 내는 말소리와 발소리가 울리며 공간을 채운다.또 눈에 띄는 것은 외부로 통하는 반원 형태의 구멍이다. 그곳을 통해 앞마당 같은 공간으로 나갈 수 있고, 넓게 펼쳐진 능선과 산을 가득 채운 나무들도 볼 수 있다. 공간 바닥에는 ‘Block Works’ 연작 7점이 전시돼 있다. 육면체 벽돌을 서거나 앉거나 누운 사람 형태로 쌓은 듯한 철제 조각이다. 얼핏 보면 녹이 슬어있는 것 같기도 하다. 곰리는 “압축된 흙으로 만들고 싶었다”며 “(흙이) 대기와 반응하며 변하기 때문에 일부러 철을 선택한 것”이라고 말했다.<figure><img src="https://img.khan.co.kr/news/r/700xX/2025/06/23/news-p.v1.20250620.fc2010eb6367499b99c61e2df5d0e209_P1.webp" /></figure>개관을 하루 앞둔 지난 19일 GROUND를 공개하며 기자들과 만난 곰리는 “공간이 완성된 건 어제(18일)였다. 오늘이 공간 탄생의 첫 순간”이라며 “관람자와 관람 대상이 분리되지 않고 한 공간의 부분이 되는 경험을 한 것 같다. 이 작품을 처음으로 완성해주신 분들이 바로 여러분”이라고 말했다. 개인전에서 보는 이의 상상력을 발휘하도록 한 곰리는 상설 공간에서도 보는 이의 참여로 작품이 비로소 완성된다고 했다.곰리는 “작품으로 특정한 이데올로기를 선언하거나 우주론을 주창하려는 게 아니다. 인간이 이 세계에서 어디에 위치하고 있는가를 생각하길 바란다”며 “작품을 경험하는 관람자가 답을 찾을 수 있다. 관람자의 경험이 곧 작품의 주제”라고 말했다. 공간의 천장과 옆부분에 뚫어놓은 구멍은 시간의 흐름과 자연의 변화가 작품에 간섭해 변화하는 모습을 담기 위해서이다. 그는 “벌레들이 작품과 접촉하기도 할테고, 겨울엔 눈도 내릴 것이다. 공간이 변화에 노출될 텐데, 그 변화를 조망하는 것도 기대가 된다”며 “내부와 외부위 경계를 허물고, 밖에서의 새소리와 바람 소리가 다 안으로 들어올 수 있도록 한 게 (공간의)기획 의도”라고 말했다.곰리는 초기부터 자신의 몸을 석고로 캐스팅했고, 이후 비물질적이고 추상적인 작업을 하는 등 오랜 기간 다양하고 실험적인 조각을 해 왔다. 그는 “조각이란 세상에 직접적인 영향을 미치는 예술”이라며 “많은 사람들은 오늘날 기계의 종이 돼 화면에 빠져 살고 있다. 조각은 직접적으로 만질 수 있고, 또 실질적인 경험을 하게 해준다는 점에서 중요하다”고 말했다.개인전과 GROUND를 모두 관람할 수 있는 안토니 곰리 패키지는 대인 3만9000원이다. 오는 9월까지는 3만5000원으로 할인된다.<figure><img src="https://img.khan.co.kr/news/r/700xX/2025/06/23/news-p.v1.20250620.d5723a68b7d54c33acefac2d18b55d1b_P1.webp" /></figure></div>

“우리의 몸은 우주만큼이나 알려지지 않은, 미지의 자율적 존재입니다. 우리는 몸을 통해 자신을 알게 될 뿐 아니라, 우리가 속한 우주를 알게 될 수 있습니다.”

작은 몸도, 큰 우주도 인간은 볼 수 없지만…곰리의 조각은 보여준다

<div><figure><img src="https://image-cdn.hypb.st/https%3A%2F%2Fkr.hypebeast.com%2Ffiles%2F2025%2F06%2F23%2Fasap-rocky-wayfarer-puffer-sunglasses-campaign-creative-director-release-info-1.jpg?q=90&amp;w=1400&amp;cbr=1&amp;fit=max" /></figure>에이셉 라키와 레이밴의 ‘웨이페어러 푸퍼’ 컬렉션이 공개됐다. 이번 컬렉션은 에이셉 라키가 레이밴의 크리에이티브 디렉터로서 선보인 첫 선글라스 라인으로, 해당 선글라스는 앞서 칸 영화제와 멧 갈라에서 미리 공개돼 사람들의 이목을 끈 바 있다.해당 선글라스는 레드, 블루, 핑크, 블랙 등 총 일곱가지 컬러로 구성됐으며, 기존 웨이페어러 모델에 볼륨감을 더한 인플레이트 디자인이 특징이다. 또한 브릿지와 힌지에는 메탈릭 디테일이 삽입돼 고급스러운 질감을 자아냈으며, 템플에는 레이밴 로고를 클래식하게 새겨졌다. 에이셉 라키가 직접 디렉팅한 이번 레이밴 캠페인은 브랜드의 전통과 플라코의 개성이 자연스럽게 융합된 결과물로, 에이셉 라키의 고향인 할렘에서 직접 캐스팅된 지역 아티스트들로 꾸며져 더욱 상징적인 의미를 지닌다. 에이셉 라키 x 레이밴 ‘웨이페어러 푸퍼’ 컬렉션은 오는 6월 중, 레이밴 공식 웹사이트 및 일부 매장에서 만나볼 수 있다. </div>

에이셉 라키와 레이밴의 ‘웨이페어러 푸퍼’ 컬렉션이 공개됐다. 이번 컬렉션은 에이셉 라키가 레이밴의 크리에이티브 디렉터로서 선보인 첫 선글라스 라인으로, 해당 선글라스는 앞서 칸 영화제와 멧 갈라에서 미리 공개돼 사람들의 이목을 끈 바 있다.

에이셉 라키 x 레이밴 ‘웨이페어러 푸퍼’ 컬렉션 공개

<div>故ㅜ김영갑 사진 작가 20주기 추모(상)<figure><img src="https://www.jejunews.com/news/photo/202506/2219004_247567_2258.jpg" /></figure>보슬비가 내렸다. 숙연해지는 마음으로 주차장에 차를 세웠다. 초입의 ‘김영갑 갤러리 두모악’ 주황색 작은 간판이 선명하게 눈에 들어왔다. 그 옆에는 산수국이 소담하게 피어있었다. 고독한 사랑, 사랑의 기억이라는 꽃말을 가진 산수국을 보며 故 김영갑 사진작가를 떠올렸다. 오롯이 사진을 사랑했고, 제주 중산간에 들어 작품에 몰두했던 사람, 필름을 사기 위해 굶주림을 견뎌야 했던 그는 오름과 억새, 바다, 해녀 등 제주다움의 정수를 작품으로 녹여냈다.바람난장은 짐을 푸는 곳이 무대가 된다. 2017년부터 지금까지 200여 회 공연으로 제주 곳곳의 비경이나 공간을 알리고 사람들과 소통해 왔다. 오늘은 김영갑 갤러리 두모악을 찾은 관객들과 진정한 사람, 故 김영갑 사진작가를 추모했다.바람난장 김정희 대표가 이생진 시인의 〈김영갑 갤러리 두모악〉을 낭송하며 서막을 알렸다.김영갑-두모악 갤러리이생진해마다 12월 말쯤이면성산읍 삼달리에서김영갑이 걸어오듯 사진 달력이걸어온다중략그는 2005년 5월에 떠났는데달력은 계속해서 내게로 온다그는 1957년 충남 부여에서 태어나1982년부터 제주를 오가다가제주도에 반해 1985년부터는몸도 마음도 다 짊어지고제주도로 들어왔다바닷가와 중산간한라산과 마라도마라도에서 나는 그를 만났다그리고 내가 구엄리에 있을 때구엄리에서 자주봤다그러다가 그는 루게릭병으로 갔다사진기를 들고 다닐 수 없어서사진 찍기를 포기하고죽을힘을 다해서 마지막 작품으로남겨놓은 것이두모악 갤러리다중략<figure><img src="https://www.jejunews.com/news/photo/202506/2219004_247568_2353.jpg" /></figure>박훈일 관장은 인사말에서 故 김영갑 작가의 20주기를 맞아 문화패 바람난장 방문에 감사의 마음을 전했다. 이어서 김정희 대표가 정희성 시인의 <사진작가 김영갑의 서울 나들이>를 낭송했다.사진작가 김영갑의 서울 나들이정희성한 십 년 비루먹으니심 봉사처럼 눈이 뜨여김형의 영토는 이를테면 영혼의 인화지.단편처럼 살다가는 쪽달과들벌레 야윈 곡소리와 현무암 쪼개는마른번개용눈이 오름 흐벅진 굼부리까지성산포 파도주름으로 질끈 동여매밤 도와서울로 왔습니다영지의 식솔들억새를 베먹다 남긴 햇빛 올가미로한나절 꼬드겨 데불고 와서는도마뱀처럼 풀어놓았습니다.푸들 푸들 놀라는 사람이오히려 없어그가 참 편안히 웃다가밤 도와제주로 내려갔습니다.<figure><img src="https://www.jejunews.com/news/photo/202506/2219004_247569_2436.jpg" /></figure>시어들만 봐도 ‘김형의 영토’가 보인다. 김형의 동선이 읽어지고 편안히 웃는 맑은 영혼이 인화되어 나오는 것 같다. 오름, 굼부리, 성산포, 파도, 억새는 김형의 피사체였다. 카메라 하나 달랑 메고 누볐던 제주, 제주인보다 더 제주다운 것들에 매료되어 제주의 ‘외로움과 평화’를 읽어내고 염원했던 故 김영갑 사진작가, 정희성 시인의 시에 마음이 젖어 들었다.강상훈 세이레아트센터 대표가 이춘호 시인의 <빙체>를 낭송했다. 이어서 이천희 성악가가 허림 시, 윤학준 곡 ‘마중’을 노래했다.마중허림 시, 윤학준 곡사랑이 너무 멀어올 수 없다면 내가 갈게말 한마디 그리운 저녁얼굴 마주하고 앉아그대 꿈 가만가만들어주고 내 사랑 들려주며그립다는 것은 오래전잃어버린 향기가 아닐까사는 게 무언지하무뭇하니 그리워지는 날에는그대여 내가 먼저 달려가꽃으로 서 있을게그립다는 것은 오래전잃어버린 향기가 아닐까사는 게 무언지 하무뭇하니그리워지는 날에는그대여 내가 먼저 달려가꽃으로 서 있을게꽃으로서 있을게<figure><img src="https://www.jejunews.com/news/photo/202506/2219004_247570_2514.jpg" /></figure>오늘 같은 날 어울리는 가사와 아름다운 선율이었다. 故 김영갑 사진작가를 잊지 않고 찾아오는 사람들과 그리워하며 추모하는 예술인들이 어우러진 만남의 장, 이곳은 사람 향기로 가득했다. ‘그립다는 것은 오래전 잃어버린 향기가 아닐까’ 꽃으로 서 있으면 향기로 올 것만 같은 사람, 산수국 향기가 나는 것 같았다. 그의 포토 에세이집 《그 섬에 내가 있었네》처럼 故 김영갑 사진작가는 아직도 살아 숨 쉬고 있었다. 영원히 그러할 것이다. 박수 하며 앵콜을 외치는 관객 속에서 공연이 무르익어 갔다.▲글=김도경(시인, 동화작가)▲사회=김정희▲시낭송=강상훈▲성악=이천희▲시 낭송=이정아·장순자 ▲기타 음향=김종구▲사진=이정아 ▲총감독=김정희</div>

故ㅜ김영갑 사진 작가 20주기 추모(상) 보슬비가 내렸다. 숙연해지는 마음으로 주차장에 차를 세웠다. 초입의 ‘김영갑 갤러리 두모악’ 주황색 작은 간판이 선명하게 눈에 들어왔다. 그 옆에는 산수국이 소담하게 피어있었다. 고독한 사랑, 사랑의 기억이라는 꽃말을 가진 산수국을 보며 故 김영갑 사진작가를 떠올렸다. 오롯이 사진을 사랑했고, 제주 중산간에 들어 작품에 몰두했던 사람, 필름을 사기 위해 굶주림을 견뎌야 했던 그는 오름과 억새, 바다, 해녀 등 제주다움의 정수를 작품으로 녹여냈다.

찰칵, 찰칵…제주의 영혼을 사진 찍던 사내

<div><figure><img src="https://www.kgnews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506585149031_1b3488.jpg" /></figure>국내 대표 MMORPG 로스트아크가 몰입형 미디어아트 전시회를 열고 이용자들을 맞는다. 로스트아크는 게임 출시 이후 지금까지 게임 영역을 넘어 다양한 문화 영역으로의 IP 확장을 시도해왔다. 지난 2023년 지스타, 디어 프렌즈 페스타 등 여러 행사에서 미디어아트 전시를 선보였던 로스트아크는 이번에 첫 단독 미디어아트 전시회를 열고 종합예술로서의 게임 면모를 한껏 뽐낼 전망이다.<figure><img src="https://www.kgnews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506585104335_0dcda3.jpg" /></figure>스마일게이트 RPG는 23일부터 오는 7월 6일까지 서울 광진구 워커힐 호텔 빛의 시어터에서 '로스트아크 미디어아트展: 빛의 여정'을 진행한다. 전시회는 하루 총 6회차 진행되며, 한 회차당 90분씩 운영된다. 현재 5일차까지 전시회 티켓이 이미 매진된 것으로 알려졌다.빛의 여정은 지난 7년동안 로스트아크가 쌓아온 세계관과 서사를 미디어아트로 재해석한 전시다. ▲원화 전시관 ▲미디어아트 상영관 ▲갤러리 룸 ▲그린 룸 ▲스튜디오 룸 ▲굿즈샵 ▲빛의 라운지(카페) 등으로 구성된다.<figure><img src="https://www.kgnews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506585090214_a5d272.jpg" /></figure>전시관에 입장하면 가장 먼저 방명록이 관람객을 맞는다. 벽 한면 전체에 로스트아크 응원 메시지를 자유롭게 작성할 수 있다. 길을 따라 이동하면서 로스트아크의 다양한 원화를 감상할 수 있다. 로비로 나오면 빛의 시어터 상영관으로 이어진다. 전시가 개최되는 빛의 시어터는 1500평 규모, 최대 21미터에 달하는 층고를 포함해 설계된 곳으로, 서울에서 유일하게 ‘파사드 연출’이 가능한 장소다. <figure><img src="https://www.kgnews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506585117196_82a2ff.jpg" /></figure>상영관에 입장하면 ‘빛으로 재탄생한 아크라시아’를 주제로 시어터 공간 전체를 휘감은 체험형 영상을 감상할 수 있다. '빛의 여정' 영상은 총 4개 영상, 90여분의 러닝타임으로 구성된다. 가장 먼저 감상할 수 있는 '여정의 시작'에서는 모험가가 아크라시아로 떠나는 순간들이 10여분 간 재생된다. 22분간 이어지는 1회차 : 빛의 여정은 모험가의 여정을 돕는 인도자 아만이 등장한다. 트리시온이 개방되며 이들은 아크의 흔적이 있는 곳으로 모험을 떠난다.이어 15분간 '여정의 순간들' 영상이 펼쳐진다. 대항해부터 아크라시아를 위협하는 대악마 카제로스를 대면하는 순간까지 다채로운 모험의 순간순간을 확인할 수 있다. 2회차: 빛의 여정은 앞서 상영된 빛의여정이 반복돼 송출된다. 놓친 순간들을 다시 확인하고, 시어터 내 다양한 공간을 방문하는 시간이 될 것으로 기대된다.<figure><img src="https://www.kgnews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506585161431_ae16ab.jpg" /></figure>마지막으로 아크라시아에 떠오른 붉은 달을 배경으로 파멸됐던 심연의 군주 '카제로스'가 등장한다. 카제로스는 로스트아크에서 출시 예정인 신규 보스로, 이번 전시회에서 미리 모습을 드러내 게임 이용자들의 기대감을 한껏 끌어올렸다.현장에서 만난 로스트아크 이용자들은 체험형 영상을 감상하고 호평을 내놨다. 섬세한 연출, 웅장한 그래픽과 사운드가 관람 몰입도를 높였다는 평가다.빛의 여정에 참가한 한 방문객은 "넓고 시원한 공간에서 여유롭게 전시를 관람할 수 있다는 점이 가장 좋았다"면서 "상영관의 규모가 상당히 커서 입체적이었고, 1층·2층에서 각각 관람할 때 느낌이 달라서 새로웠다"고 소감을 밝혔다.<figure><img src="https://www.kgnews.co.kr/data/photos/20250626/art_17506585133539_f1a73e.jpg" /></figure>체험형 전시 관람이 종료되면 굿즈샵을 방문할 수 있는 기회가 주어진다. 순차적으로 굿즈샵에 입장해 원하는 상품을 둘러보고 구매할 수 있다. 쇼핑을 마친 뒤 이용자들은 빛의 라운지 카페로 이동해 모코코 스페셜 세트를 맛볼 수도 있다.<figure><img src="https://www.kgnews.co.kr/data/photos/20250626/art_1750658517481_2a42b6.jpg" /></figure>지원길 스마일게이트 RPG 대표는 “게임 속에서도 1부 스토리의 종막을 향해가는 지금 로스트아크의 서사를 대형 스케일로 색다르게 선보일 수 있게 되어 정말 기쁘다"면서 영상, 음악, 일러스트 등 시청각을 모두 사로잡는 몰입감 높은 경험을 선물해 드릴 예정이니 많은 관심 부탁드린다”고 소감을 전했다.[ 경기신문 = 이효정 기자 ]</div>

국내 대표 MMORPG 로스트아크가 몰입형 미디어아트 전시회를 열고 이용자들을 맞는다. 로스트아크는 게임 출시 이후 지금까지 게임 영역을 넘어 다양한 문화 영역으로의 IP 확장을 시도해왔다. 지난 2023년 지스타, 디어 프렌즈 페스타 등 여러 행사에서 미디어아트 전시를 선보였던 로스트아크는 이번에 첫 단독 미디어아트 전시회를 열고 종합예술로서의 게임 면모를 한껏 뽐낼 전망이다.

[현장스케치] 게임에서 종합예술로, 전시회서 만난 로스트아크 '빛의 여정'

인더뉴스 김홍식 기자ㅣ신세계백화점은 강남점 3층 아트스페이스에서 오는 8월 27일까지 일본 현대미술가 LY의 개인전 ‘Singing Birds’를 열고 도시를 벗어난 상상 속 풍경을 제공한다고 23일 밝혔다.

[iN The Scene]“상상·꿈을 노래하는 LY 만나보세요”…신세계 강남점

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